马赛克画出名画家

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一、每周一位艺术家——古斯塔夫·克里姆特

古斯塔夫·克里姆特说：”我从来没画过自画像。我缺乏把自己当作绘画主题的兴趣，而女人优先重要......我没什么特别的。我是一个日复一日、日以继夜地画画的画家......任何想更了解我的人......应该谨慎地看看我的画。"

古斯塔夫·克里姆特（德语：GustavKlimt，1862年7月14日－1918年2月6日，又译古斯塔夫·克里姆）

出生于维也纳，是一位奥地利知名象征主义画家，他开创了维也纳分离派，是维也纳文化圈代表人物。

克里姆特特画作的特色在于常常采用具有装饰感的绘画符号和绘画纹样来表现自己的绘画理念，他一生执迷于女人，喜欢土豪金，作品极富有象征和装饰意味，主题常围绕着“性”、“爱”、“生”、“死”的轮回。

喜欢他画作的人称赞有其“沉闷美感”与大胆象征寓意，但也招致不少保守派画家的负面批评。

克里姆特强调个人的审美趣味、情绪的表现和想象的创造，他的作品中既有象征主义绘画内容上的哲理性，同时又具有东方的装饰趣味。他注重空间的比例分割和线的表现力，注重形式主义的设计风格。他那非对称的构图、装饰图案化的造型、重彩与线描的风格、金碧辉煌的基调、象征中潜在的神秘主义色彩、强烈的平面感和富丽璀璨的装饰效果，使画面弥漫着强烈的个性气质，对绘画艺术和招贴设计产生了巨大而又深远的影响。

1918年，克里姆特因染上西班牙型流行性感冒而病故。

篇幅原因，只放部分有代表性的作品，全部作品免费分享，私信克里姆特即可提取：

《吻》是艺术家最著名的作品，有人认为这是他唯一的自画像，画面中的女性是他毕生的情人、伴侣、模特和缪斯艾米丽·弗罗杰，克里姆特给她写过数百张明信片，每年他们会结伴到乡间度夏。然而，二人从未同居、结婚，或生下孩子。

这是一幅表现爱的抽象主题寓意的杰作。在开满鲜花的草地上，男人轻柔地抱起女人的头，富有激情地亲吻着女主人公的脸颊。男人身上的装饰都是方正色块，由黑白黄三色方块构成，象征了男人棱角分明，坚强的特质。女人身上是感性的圆形图案与流动的线条，代表了女性的柔媚和温柔圆润。女人一条手臂搂着男人的脖颈，一只手紧抓着男人的手，闭着眼睛尽情享受着幸福的感觉。

她的表情是迷醉的、满足的，甚至似乎还有些害怕这幸福时刻的结束。在画面形式营造上调动了各种艺术手段，诸如线条和色块的组合，色彩中掺入金粉，使画面呈现出美妙温馨的梦幻场景。

这幅画被认为是克里姆特最著名也是最优秀的作品，曾经创造过艺术品拍卖的世界纪录。

画面中的艾蒂儿坐在金色椅子上，身穿一件有许多直线、方块、三角与抽象符号的连衣裙，脖子上戴着一串宝石项链，两手交叠，表情迷离、忧郁而又放纵。她的装饰复杂的裙子、椅子与闪烁的背景几乎融为一体，艾蒂儿的头发、脸部、肩部与手用传统油画手法绘制，但在近乎抽象的黄金裙子、椅子的映衬之下，她的形象似乎不属于尘世，而带有一种浓厚宗教与偶像气质。

这件作品极具装饰性的风格来源于其独具特色的制作手段：画面上大块的金银碎片是由金片在画布上拼接而成，部分白色区域还用到了石膏，只有大概不到十分之一的区域是用油彩绘制。按照画家自己的说法，他的灵感来自于意大利的圣维塔莱大教堂，教堂中布满巨大但是细致的马赛克装饰，这些“令人难以置信的辉煌马赛克”给了他许多启示。

雅典娜是希腊罗马智慧女神，是一个的强大存在，克里姆特对的她描绘超出了常人的理解。

值得注意的是，在这幅模糊的图像中，克里姆特强调了女神雅典娜的雌雄同体的个性，这是一种模糊性别身份的表现，雅典娜身着军装，戴着头盔，十分具有男子气概。

只有从她脖子两侧稀疏垂下来的头发我们才意识到这是一个同时带有女性气质的正义之神。画的左边几乎看不到她的身影，而角落中却出现了一个清晰的裸体女性的形象。

克林姆特喜爱画裸女，大多神情暧昧、姿势慵懒，你甚至会觉得每一个裸女似乎都是他的情人。除了画作质量外，几乎所有作品都充斥着的“金光”。然而他的遗作《新娘》相比以往的创作，色彩明显弱了很多。他虽然依旧在画中表现出浓烈的欲和妖艳，但色彩方面却不再金光闪闪，而是逐渐趋于平和，仿佛在表达着自己年龄大了看的更开了。

1901-1902年，克里姆特创作了这幅《金鱼》，这是他在为维也纳大学绘制壁画并引起世人激烈评议的时候。克里姆特为了对众多攻击自己的人实施还击而创作此画，他曾打算为这幅画起名《给我的批判者》。在这幅作品中，长方形的画板上描绘着几个不同情态的裸女，人物的身体若现若隐，流动的曲线和明亮的裸体使画面充满生命的活力。画家巧妙地运用不同的曲线变化和色块构成图案似的画面，装饰中有写实，抽象中杂着具象，画风独特。画面下方，克里姆斯描绘了一个大臀女子，似乎是要以这样无礼的姿势去还击那些道貌岸然的批评者。画中的人物表情带有一种怪异，而且颇为性感。当然，这幅《金鱼》也遭到了批评，克里姆特在这段时间受到了无休止的攻击。

克里姆特的画作乍一看虽然狂放热情，但其实暗暗隐匿着作者对人生的遗憾和伤感。

比如在作品《女人的三个阶段》中，克里姆特将人的一生分为少年、中年、老年这3个阶段，运用大大小小的圆圈为画面打底，这些圆圈如同人的细胞一样，密集盘旋在人的周围，蕴藏着生命回归之意。

在人物勾勒中，画作中一位幼儿恬静地熟睡在妈妈的怀抱里，这位妈妈脸上的皱纹纵然千沟万壑，却依然气定神闲，神态十分安详。

这一老幼人物的强烈对比，一方面表达了创作者对生命消亡的惋惜和悲恸；另一方面，却也折射出他内心的浩渺无垠——人生下来必将走向虚空，没有什么值得大喜大悲的。

1.色彩语言的表现形式

克里姆特在他的作品中，常会大量使用金粉、银粉或者金箔等混合颜料以平面的手法进行刻画。除此之外，也常会用不同颜色、不同大小的色彩铺陈背景。

他擅长将各类金色运用在画中，如《吻》、《女人的三个阶段》、《艾蒂儿·布洛赫-鲍尔肖像一号》、《帕拉斯·雅典娜》等等这些作品，这一阶段金色被他用的炉火纯青，不仅彰显着他的画风趋于成熟，还被称为他绘画时期的“金色时期”。

2.线条语言的表现形式

线条是克里姆特作品的另一杰出特色，有时细腻平和，有时粗放豪迈，完美的结合了西方的理性严谨和东方的意蕴之美。

克里姆特的线条不仅能塑造人物的画面形态，创造出空间之感，还能追求轻盈曼妙的效果，起到一定的装饰作用，营造出强烈的视觉效果，并达到观赏的目的。

比如在《吻》这一画作中，画中男性就借用长短不一的直线进行刻画，而直线又会让人感觉到理性与坚定，虽看不到画中男人的面部神态，却也能营造出一种坚毅果敢的形象。

而曲线跟直线的理性坚定相比，更会给人轻松愉悦之感，在克里姆特的诸多画作中，常常会用曲线加以铺陈，大面积的曲线线条，交织勾勒出千变万化的画面节奏~

3.构图语言的表现形式

克里姆特特别擅长使用装饰性构图和点线面的表现手法，点与点交织、面与面相交、线与点交融，共同组合成一种丰富的和谐之感，他将画面的空间形态通过线条的排列组合，转而变化成带有极强主观意识的二维平面效果。此外，克里姆特的画作中，往往会构成一种简单与复杂、密集与稀疏以及冷暖色调的强烈对比，这使得画面层次更加丰富饱满。

绘画作品宛如是一面镜子，它借助线条与色彩的相互作用，给我们带来美好享受的同时，还可以将画家的情感投入我们的视野，并且通过委婉、优雅的画面，表现创作者理性思想的光辉。

克里姆特的作品有着对西方传统油画表现形式的大胆创新，并吸收中国画中独特的线条表现形式融入在自己的创作之中，从而在颜色、线条等方面有了自己的感悟与突破，不仅展现出自身在装饰性绘画语言表现形式上极强的天赋和实力，还在创作手法上有了极大的创新，具有深刻的象征意义，也成为现代艺术重点学习的对象之一！

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二、阿尔诺芬尼夫妇像画家简介

阿尔诺芬尼夫妇像的创作背景与画家介绍

在文艺复兴运动的欧洲，尼德兰市民美术的开创者扬·凡·艾克（1380～1441年）以其精湛的技艺独树一帜。出生于马斯特里赫特附近马赛克的他，与弟弟胡伯特·凡·艾克并称为凡·艾克兄弟，共同塑造了尼德兰文艺复兴的辉煌。他们合作完成了诸如《根特祭坛画》等具有深远影响的作品，展现出兄弟二人在绘画领域的卓越才华。

除了在艺术创作上的卓越贡献，杨·凡·艾克还是油画材料和技法的重要革新者，他的革新对西方绘画史产生了深远影响。他的代表作之一，便是著名的《阿尔诺芬尼夫妇像》，这幅画作以其细腻的描绘和深情的情感表达，展现了画家对于人物刻画的深厚功力。其他如《罗林宰相的圣母》、《圣巴巴拉》以及《妻子像》等作品，都是他艺术生涯中的璀璨明珠，体现了他对人性和生活的深刻洞察。

总的来说，杨·凡·艾克不仅是尼德兰文艺复兴的重要代表，他的艺术创新和对油画技术的贡献，使他在世界绘画史上留下了不可磨灭的印记。

《阿尔诺芬尼夫妇像》是一幅作于板上的油画，有82×60厘米大，用色十分细腻，画中的主人翁是阿尔诺芬尼和他的新婚妻子。阿尔诺芬尼举着右手，似在宣誓。他的妻子则虔诚地微低着头，伸出右手表示永作丈夫的忠实伴侣。画家对环境一一进行刻画。现藏英国国家美术馆（伦敦国家美术馆）。真实地描绘了典型的资产者形象，不仅再现夫妇的外貌和个性特征，而且对室内的环境什物作了极其逼真的描绘，显示了画家特殊的造型才能。《阿尔诺芬尼夫妇像》不但是新型油画深入表现的最早尝试，也是后来发展起来的风俗画和室内画最早的先例。

画家用马赛克技法画女人，具有装饰艺术画风，令人着迷，我也想学

克里姆特（1862～1918年）奥地利著名画家，是一个金银器雕刻师的儿子，所以我们不会奇怪为什么他的作品充满了拜占庭灿烂马赛克画那种令人晕眩的光芒。

事实上1902年克里姆特的确观看意大利拉韦纳的圣维塔莱大教堂的马赛克画，他的艺术生涯初期正值维也纳戒指路大发展的时期，他为城市剧院和艺术史博物馆做建筑装潢的工作，但是初期诸事不顺，他为维也纳大学设计的壁画遭到强烈的反对，一些评论家认为他的画板画《哲学》《医学》《法律》不得体也不道德。

在这些争议的旋涡中，他在1904年至1906年进行了一系列女性肖像画的创作，《弗利兹·冯·里德尔》这幅画中弗利兹·冯·里德尔坐在一张风格化的椅子上，椅子用泡沫般的白色蕾丝和厚重的缎带做成，只有金字塔构图中她贵族般的表情、比例和位置才让她本人没有被埋没在装饰性的元素中。

冯·里德尔的头部用装饰性的彩玻璃画框住，这个框架标志着她是一个重要人物，不过克里姆特之前在《艾蜜莉·芙洛格》和《玛格丽特·斯特恩波洛维特根斯坦》中都使用过这个手法。扁平化处理的椅子也作为框架使用，它使得被画人呈现为室内唯一的三维物体。

克里姆特的画作看上去是更年轻的一代表现主义者的对立面，但是他对他们的影响毋庸置疑。1900年维也纳分离派包括查尔斯·雷尼·麦金托什和格拉斯哥四人组，影响了欧洲艺术的发展和技法，克里姆特在1905年离开分离派，他受到麦金托什妻子玛格丽特·麦克唐纳的影响，后者的线性风格包括了珍贵的宝石装饰。

克里姆特作品《吻》

克里姆特之前完成的题材，最著名的是1902年的《贝多芬横饰带》，暗指席勒的《欢乐颂》中的句子“把飞吻送给全世界”。克里姆特将席勒更具普遍意义的政治隐喻转变成更加个人化的东西，将拥抱处理成一个子宫形状的空间，在《吻》这幅画中他也保留了这种构图，画中的女人形体装饰了与她衣裙呼应的圆形生物形态，形式中填满了花朵；

克里姆特作品《弗利兹·冯·里德尔》

男人的长袍则装饰了对比强烈的矩形形状，这两个图案都来自克里姆特的个人符号主义，这个图像非常有激情，着迷的观众很容易忽略其他方面，比如，克里姆特风格的表现主义元素，这表现在女人骇人的弯曲脚趾与扭曲的手上，她皮肤的上色也暗示了化脓，

这种表现性的图案风格，以及克里姆特作品中丰富得过剩的装饰特色，都十分让人着迷，这造成他的很多作品（比如，《医学》《法学》《哲学》）一方面受到欢迎，另一方面又受到排斥，然而正是他作品的这些特征影响了更年轻一代的艺术家。

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